Елена Запрудских — художница, чьи работы отражают жизнь российской глубинки. Если стеб, то добрый. Вот первая картина с поварами называется «Мне том ям». Ну не прекрасно, а? А картина с тортиком «35» и подписью «Когда же ты съедешь?!» Там все хорошее
Елена до недавнего времени работала бортпроводницей и много летала по стране — «в богом забытые города», где тем не менее находила выразительные сюжеты для картин.
Работы художницы — своеобразная поездка по большой стране, в которой на пути обязательно встретятся сельский магазин со старыми счетами и советскими весами, лебеди из автомобильных покрышек у подъездов, вещевой рынок с картонками для примерки модных новинок, бабушки в цветастых халатах на страже порядка и ларек «Алкополис» на фоне мурала, зовущего к звездам.
Как же это здорово, когда у художников здоровое чувство юмора. Правда, к сожалению, такие долго не шутят в России.. Желаю самого светлого и доброго Елене!
Напоминаю, что подобные посты группируются по тегу #artrauflikes, а на beinginamerica.com в разделе «Art Rauf Likes» есть все 82 (в отличие от Facebook, который забывает (забивает) на почти половину)
Советский и российский художник Гелий Коржев-Чувелёв (1925-2012). Сильные работы, про суровую действительность и, внезапно, библейские сюжеты. Картины, написанные Гелием Коржевым в 2012 году, назывались «Последние часы на земле» и «Победитель». Ими он завершил свой творческий и земной путь.
(1) Лишенные рая. (2) Егорка-летун. (3) Моя соседка через улицу. (4) Мутанты (но кто-то угадывается) (5) Облака 1945 (6) В дороге (7) В дни войны (8) Стирка (9) Дон Кихот (10) Поднимающий знамя (11) Влюбленные (12) Борьба (13) Последние часы на Земле (14) Победитель
Напоминаю, что подобные посты группируются по тегу #artrauflikes, а на beinginamerica.com в разделе «Art Rauf Likes» есть все 81 (в отличие от Facebook, который забывает (забивает) на почти половину)
Сегодня — очень интересная норвежская художница Ингебьёрг Фрейдис Стёйва (Ingebjørg Frøydis Støyva, 1978). Первая картина с лошадью в шкафу называется «Можно он у нас останется?» («Can I keep him?»). У кого-то в шкафу скелет, а у кого-то — целая лошадь. Очень люблю эту художницу. Вообще, художники, которые нашли общий язык с тараканами в голове и творят вместе, всегда хороши.
Напоминаю, что подобные посты группируются по тегу #artrauflikes, а на beinginamerica.com в разделе «Art Rauf Likes» есть все 79 (в отличие от Facebook, который забывает (забивает) на почти половину)
Интересный художник, Терри Миура (Terry Miura, 1964). Родился в Японии, переехал в Нью-Йорк, где получил образование и продолжил свою художественную карьеру.
Смотря на его картины, я вспоминаю тезис Ричарда Шмида, чью книжку сейчас читаю, что в природе нет линий, поэтому при переносе изображения на холст думать линиями не очень помогает, а чаще всего даже мешает. Думать надо цветовыми пятнами. Еще интересный тезис, что если у вас когда-либо возникнет конфликт между тем, что вы знаете, и тем, что вы действительно видите, рисуйте то, что видите, потому что если вы этого не сделаете, результат будет выглядеть как нечто несуществующее. Это очень интересное наблюдение.
В целом, это было частью общего мышления ранних художников (и некоторых современных): когда рассматриваешь объекты как людей и предметы в обстановке, а не как визуальные формы, создаваемые светом, то приходится рисовать то, что знаешь о них — чем еще можно было руководствоваться? Естественно, чем больше ранние художники знали о том, что рисовали, тем лучше получалась их работа. И таким образом мы приходим к ситуации, когда рисование всех ожидаемых от них вещей означало, что многое нужно было изучить и запомнить, потому что в мире очень много вещей. Конечно, их было слишком много, чтобы выучить их все, и поэтому они специализировались. Они рисовали то, в чем они стали лучшими. Один был анималист, другой специализировался на архитектуре, третий — на портретах.
До сих пор художники того времени (как и многие современные) могут быть мгновенно идентифицированы как по узкому кругу своих объектов, так и по их стилям и эпохам.
Мне очень нравится этот подход. Он не новый, и Ричард Шмид его просто хорошо аргументирует. Особенно этот подход понимаешь, когда берешься в первый раз рисовать современную машину, припаркованную в нескольких метрах от тебя. Казалось бы, в чем проблема? четыре колеса и какие-то кривые формы. Но эта кривизна форм различается от машины к машине, в ней нет логики, и поняв «анатомию» Toyota RAV4, у вас почти ничего из понятого не пригодится при рисовании, скажем, Chevrolet Corvette. Кроме этого, когда машина близко, начинаются заметные перспективные искажения этих кривых форм, и тут вообще взрывается мозг. Проще вообще пропустить этап рисунка и начинать с форм, цветовых пятен, и дальше уже уточнять.
И вот видно, что Терри Миур мыслит теми же категориями. Для него нет человека в красном или белом платье. Есть пятна. Если они композиционно хороши, если есть баланс, то все, что нужно сделать, это нарисовать пятна в нужном месте и не нарисовать в ненужном.
Напоминаю, что подобные посты группируются по тегу #artrauflikes, а на beinginamerica.com в разделе «Art Rauf Likes» есть все 79 (в отличие от Facebook, который забывает (забивает) на почти половину)
Еще один художник-самоучка из Британии/Франции, Джулиан Мерроу Смит (Julian Merrow Smith). Большую часть работ занимают натюрморты. Но зато каждый — шедевр. Цвет, композиция, реализм, лаконичность. При этом реализм достигается не тем, что художник кропотливо ставит пятьдесят «пикселей» на квадратный миллиметр. Если присмотреться, то все работы относительно быстрые. Ну и да, после просмотра вам наверняка захочется чего-то сочного, сладкого, спелого и яркого.
У него есть сайт Postcard from Province (shiftinglight) — гуглите. Сейчас там выложено 3697 картин, по одной в день с 2005 года. Помните, я писал про Дуана Кайзера? Тому стоило бы запатентовать «картина каждый день». Вот именно так и нужно оттачивать мастерство.
Напоминаю, что подобные посты группируются по тегу #artrauflikes, а на beinginamerica.com в разделе «Art Rauf Likes» есть все 78 (в отличие от Facebook, который забывает (забивает) на почти половину)
Сегодня делюсь картинами к сожалению малоизвестной Вероники дю Буарувре (Véronique du Boisrouvray), французской художницы-самоучки, открывшей для себя пастель и талант создавать вот такие шедевры.
С одной стороны, конечно, скрупулезный и точный перенос изображения с фотки на бумагу любым media в моей системе ценностей находится в отдельной категории от рисования с натуры или по воображению. Но в этой отдельной категории для меня есть те, кто удивляет, и все остальные.
Я пока только учусь, но какие-то выводы про рисование с фото я для себя давно сделал, и они были, честно говоря, «открытием». Не любая хорошая фотография, как говорится, «ляжет на холст», особенно, если уровень у вас еще не тот, чтобы на лету накладывать в голове необходимые «фильтры». На фото мы не обращаем внимание на контраст, а для художника он важен. Поэтому лучше подойдет фото с четким контрастом. Фотография по определению имеет динамический диапазон уже, чем наши глаза, и в темных и в светлых местах будет очень не хватать проработки деталей. В случае нехватки, мозг все равно достраивает. Но на картине же это достраивание мозг может не включать из-за тучи разных причин: картина крупнее, она больше оторвана от реального мира, и т.д.
Поэтому для профессиональных художников фотография является дополнительным, а не основным референсом. Ну и самое главное — камера хватает сразу все. А глаза человека в реальном мире охватывают только очень небольшую часть изображения, а все остальное находится как в тумане. Фотохудожник использует для тех же целей боке — то, с чем современные телефоны нормально справляться не могут вследствие законов физики: объектив должен быть крупнее.
Ну все, пойдемте смотреть картины Вероники дю Буарувре.
Напоминаю, что подобные посты группируются по тегу #artrauflikes, а на beinginamerica.com в разделе «Art Rauf Likes» есть все 76 (в отличие от Facebook, который забывает (забивает) на почти половину)
У меня эта художница, Андреа Ковч (Andrea Kowch), давно в списке для этой серии, но каждый раз что-то откладывал. Ее работы на моей шкале прекрасного лезут в дополнительное измерение, потому что прекрасными их назвать не получается, но мастерскими не назвать нельзя. И вообще, согласитесь, сложно оторвать взгляд. Повседневная скучная банальность деревенской жизни превращается в сцену из какого-то романа магического реализма. Несомненно, Ковч обладает богатым воображением и художественным мастерством, чтобы его воплотить. Её техника и детальный подход впечатляют. Ну и вообще, давно у нас сюрреалистов не было. В целом, для художника быть немного «куку» — это даже в пользу профессии. Хотя бы на время стояния перед холстом.
Живописный стиль Ковч можно, пожалуй, описать как «тёмную сказку», потому что оба элемента повсеместно присутствуют на её полотнах; тёмные, мрачные, почти готические настроения с элементами сказок и повествования.
Моделями для всех картин Ковч являются её друзья. Видимо, некоторые друзья стали уже профессиональными моделями, поэтому лица очень часто повторяются даже на одной картине. Но это даже добавляет загадочности и таинственности.
Напоминаю, что подобные посты группируются по тегу #artrauflikes, а на beinginamerica.com в разделе «Art Rauf Likes» есть все 76 (в отличие от Facebook, который забывает (забивает) на почти половину)
Сегодня предлагаю познакомиться с очередным вдохновляющим художником — американский живописец Джеффри Ларсон (Jeffrey Larson). Само совершенство! У него большая серия работ, где фигурируют солнце, девушка, развешиваемое белье. Большая серия натюрмортов. И портреты. И все это — на высочайшем уровне.
Напоминаю, что подобные посты группируются по тегу #artrauflikes, а на beinginamerica.com в разделе «Art Rauf Likes» есть все 75 (в отличие от Facebook, который забывает (забивает) на почти половину)
Дуэйн Кайзер — современный американский музыкант и художник, помощник профессора в университете Ричмонда в Вирджинии. Дуэйн создал тренд «картина каждый день». Ежедневно он пишет одну картину размером с открытку и публикует их на своём сайте, где коллекционеры могут делать ставки. Торги начинаются от $100 и варьируются до $1500.
«Когда я начал заниматься живописью в 2004 году, я делал по одной картине каждый день в течение полутора лет. Я хотел сделать для себя ритуал — заканчивать картину за один день без каких-либо оправданий.»
Отличный принцип, кстати. В любой области. Второй отличный принцип — это делиться знаниями с другими (почему я и открыл блог). Им невозможно следовать, если ты не любишь свое дело, а начав им следовать, невозможно не развиваться максимально возможными темпами. В случае «шедевр каждый день» ты просто поднимаешь планку сам для себя настолько, что тебе уже просто стыдно выкладывать в очередной день что-то хуже, чем ты выкладывал раньше. И поэтому хуже уже не получается. Отчасти потому, что столько часов практики само по себе контрибьютит в качество. Отчасти тоже самое, когда пишешь регулярно статьи на блог — «планка» растет, и с ней требования к себе. Но еще и включается другое: ты просто не можешь недоделать. Если тебе нужно рассказать про Х, ты будешь копать все вокруг Х, чтобы не осталось «дыр» в понимании. Это мне очень помогало хорошо освоить тему.
Напоминаю, что подобные посты группируются по тегу #artrauflikes, а на beinginamerica.com в разделе «Art Rauf Likes» есть все 74 (в отличие от Facebook, который забывает (забивает на) почти половину)
Being in America 